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Unendo quattro sue performance L'artista senza opera, Il messaggero, La sfinge e Le preghiere, Dora Garcia aggiunge un quinto performer che fa da "regista" e istruisce gli altri esecutori su come realizzare le diverse azioni. Una performance molto attiva, ritmica, divertente senza essere teatrale o spettacolare, in cui il centro è L'artista senza opera costantemente "diretto" dal "regista", mentre le altre tre interpretazioni si estendono al resto dell'edificio, raggiungendo tutti i visitatori.

L’artista spagnola Dora Garcia ha studiato Arti Visive all’Università di Salamanca e alla Rijksakademie di Amsterdam e oggi vive e lavora a Barcellona. Utilizzando diverse forme espressive - performance, video, web, scrittura e installazioni - indaga le condizioni che determinano la ricezione all’interno di un determinato contesto, focalizzandosi sulle nozioni di durata, accesso e leggibilità. Nel contesto delle arti visive, usa gli spazi espositivi come piattaforma per indagare la relazione tra il visitatore, l’opera d’arte e il luogo, lasciando che il pubblico diventi spesso protagonista del lavoro, in alcuni casi coscientemente, in altri no. Attualmente co-dirige LES LABORATOIRES D’AUBERVILLIERS a Parigi. Ha rappresentato la Spagna alla 54aBiennale di Venezia nel 2011 e ha partecipato a (d)OCUMENTA 13, Kassel (2012).

Nell’attitudine di Paulien Oltheten c’è qualcosa che appartiene all’ambito antropologico, in particolare nel modo in cui concentra l’attenzione su quelli che sembrano dettagli insignificanti della vita quotidiana: l’andatura di un pedone, il modo in cui si porta una borsa, la postura di un impiegato sulla scala mobile. L’artista individua modelli e comportamenti di routine e li riporta come fotografie, schizzi e video. Nel 2011 questo l’ha portata a A Sort of Lecture, una scatola piena di documentazione dove il lettore compila il suo collage della vita nello spazio pubblico. Oltheten ha poi trasformato il suo materiale in una performance dal vivo durante la quale, come una detective, collega le informazioni e discute i suoi ritrovamenti.

Paulien Oltheten ha studiato alla Rijksakademie ad Amsterdam e ha avuto residenze artistiche all’ISCP (New York, 2013) e alla Cité des Arts (Parigi, 2017). Nel 2012, ha ricevuto il Dutch Doc e il suo lavoro è stato presentato sulla scena internazionale. Tra le esposizioni principali: Where do we go from here, Annet Gelink Gallery / Ellen de Bruijne Gallery, Amsterdam (2017); The Measure of Our Travelling Feet, Marres, Maastricht (2016); Paulien Oltheten & Anouk Kruithof, Stedelijk Museum Amsterdam (2014); Off Walking, MoCP Chicago (2013); Desire Lines, ACCA Melbourne (2013); It’s my imagination you know, gallery Fons Welters Amsterdam (2012); Walk on a line…, Nederlands Fotomuseum, Rotterdam (2011); Kitbag questions, Dvir Gallery Tel Aviv (2011); de Volkskrant Beeldende Kunst Prijs, Stedelijk Museum Schiedam (2010); Portscapes, Boijmans van Beuningen Rotterdam (2010).

Il lavoro di Rizzo-Ajmone si presenta nella forma di undurational piece ed è strutturato con il susseguirsi in un ambiente unico di una o due presenze corporee bendate che, danzando in un flusso continuo e ipnotico, condividono con il pubblico uno spazio di vicinanza dove tutti sono invitati ad amplificare in maniera inedita i propri sensi. La danza, nella sua potenza e fragilità, è protagonista di un autoritratto allo specchio dove l'immagine di sé è assente; ciò che rimane è la sola intimità del corpo, un'energia femminile che si spinge, come in un'avventura, nella “potenza al volere” al di là del vedere. Il titolo ikea evoca, giocando con l'immaginario casalingo più diffuso nel mondo, l'idea di un auto-design del corpo, inteso però come uno spazio di invenzione e di rinnovata immaginazione.

Cristina Kristal Rizzo, dancemaker, è attiva sulla scena della danza contemporanea italiana a partire dai primi anni Novanta. Si è formata a New York alla Martha Graham School of Contemporary Dance, ha frequentato gli studi di Merce Cunningham e Trisha Brown. Rientrata in Italia ha collaborato con diverse realtà artistiche tra cui il Teatro Valdoca, Roberto Castello, e Virgilio Sieni Danza. È tra i fondatori di Kinkaleri, compagnia con la quale ha collaborato attivamente attraversando la scena coreografica contemporanea internazionale e ricevendo numerosi riconoscimenti. Dal 2008 ha intrapreso un percorso autonomo di produzione coreografica indirizzando la propria ricerca verso una riflessione teorica dal forte impatto dinamico tesa a rigenerare l’atto di creazione stesso. In qualità di coreografa ospite ha creato coreografie per i principali enti lirici ed istituzioni italiane e straniere, tra i quali: il Teatro Comunale di Firenze, MACRO Roma, MUSEION Bolzano, Museo Pecci Prato.

Annamaria Ajmone è danzatrice e coreografa. Dopo la laurea in lettere moderne presso l’Università Statale di Milano, si diploma come danzatrice presso la Civica scuola di Teatro Paolo Grassi. Come interprete ha lavorato con Guilherme Botelho, Ariella Vidach, Daniele Ninarello, Santasangre. Collabora con Cristina Kristal Rizzo, Muta Imago, Strasse e con la videomaker Maria Giovanna Cicciari. Nel 2015, è invitata a partecipare a Compagnie, Compagnie di Jérôme Bel. Come autrice crea [In]Quiete (premio speciale del Premio Equilibrio 2014), Tiny (vincitore di DnAppunti coreografici 2014), Mash in collaborazione con la coreografa Marcela Santander Corvalàn e To be Banned from Rome con il musicista Bienoise. Tra il 2015 e 2016 realizza il progetto Arcipelago/Pratiche di abitazione temporanea, con tappe in Italia, Francia e Stati Uniti. È tra gliorganizzatori di Nobody’s Business in Italia. Vince il premio Danza&Danza 2015 come “interprete emergente-contemporaneo”.

MARCO BELFIORE
Il lavoro di Marco Belfiore è caratterizzato dalla miscela straniante di linguaggi artistici e registri narrativi decisamente diversi tra loro. Nel progetto musicale Cosmic Bombero, Belfiore si spinge oltre la sua ricerca di artista visuale sperimentando la composizione e produzione simultanea di musica elettronica e di video-animazioni sperimentali. Ha esposto in spazi pubblici e privati in Italia e all'estero tra cui: Objectif Exhibitions, Anversa; The Cinema Museum e Chelsea Space, Londra; Gertrude Art Space, Melbourne; OCAT, Shanghai; Triangle France, Marsiglia.

MARCO SHUTTLE
Tre le parole che spesso vengono associate alla musica di Marco Shuttle: “cinematico”, “cerebrale” e “cosmico”. Cinematico come l’approccio alla musica che lo contraddistingue riecheggiando il sound design, cosmico come i paesaggi disegnati disco dopo disco nelle sue maratone musicali, cerebrale in quanto autore di produzioni dove niente è lasciato al caso e la tensione è gestita magistralmente. Italiano ma di stanza a Berlino, è uno dei più quotati artisti elettronici contemporanei.

UABOS
Noto per un approccio estremamente tecnico all’arte del mixaggio e per la sua versatilità che permette di mescolare influenze musicali differenti all'interno dello stesso dj set. Conosce la sua consacrazione suonando in festival quali Spring Attitude, Club to Club Festival, Jazz Re:Found, fino ad arrivare a Madrid, Berlino e Rotterdam. Dal 2012, pubblica cinque EP e svariati remixes. La sua ascesa sul suolo italiano lo ha portato a chiudere ufficialmente la Design Week 2017 della Triennale di fronte a 6000 persone.