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LE CANNIBALE x RI-SCATTI

Sabato 25 ottobre Le Cannibale e il PAC Padiglione d’Arte Contemporanea di Milano uniscono le forze per dare vita a un evento speciale in occasione di RI-SCATTI. Il cielo è sempre più blu, una  mostra fotografica ideata da Ri-scatti ODV in collaborazione con  Dynamo Camp, che attraverso la fotografia costruisce percorsi di riscatto sociale, trasformando fragilità in energia vitale e possibilità di futuro.

 

In mostra gli scatti realizzati da nove adolescenti, ospiti di Dynamo Camp, che convivono con patologie gravi o croniche, disturbi  del neurosviluppo o condizioni di disabilità, che hanno saputo trasformare le proprie sfide personali in immagini dense di significato.

 

Per una notte le sale del museo diventano spazio vivo, in cui musica elettronica e fotografia si intrecciano in una serata di festa e riflessione.

 

Al centro del programma One Eat One, la prima band di musica elettronica al mondo composta da persone con e senza disabilità. Nato come laboratorio sperimentale di inclusione, il progetto si è trasformato in una realtà artistica unica, capace di scardinare convenzioni e celebrare diversità e accessibilità nel mondo dello spettacolo. Dalle loro performance emerge una visione radicale e necessaria: la musica come luogo di condivisione, libertà ed emancipazione.

Sul palco anche il djset di Bunny Dakota, cofondatrice del collettivo Industria Indipendente, realtà che intreccia arti performative, ricerca queer e sperimentazione sonora. Con il progetto Merende trasforma il dancefloor in uno spazio comunitario e politico, dove musica elettronica e arti visive diventano pratica di condivisione. Nelle sue collaborazioni con Silvia Calderoni esplora i confini tra teatro, corpo e identità, dando vita a progetti sperimentali che uniscono performance, arti ed estetica queer.

 

Con questa serata, Le Cannibale e PAC rilanciano un dialogo che abita le intersezioni tra musica, arti visive e attivismo culturale, dando spazio a progetti che non solo intrattengono, ma aprono nuove prospettive sul presente.

MUSIC:

One Eat One (live)

Bunny Dakota

EXHIBITION:

Ri-Scatti. Il cielo è sempre più blu

Gli adolescenti di Dynamo Camp si raccontano attraverso la fotografia

Le Cannibale x Ri-Scatti

Le Cannibale e il PAC Padiglione d’Arte Contemporanea di Milano presentano un evento speciale in occasione di RI-SCATTI. Sabato 19 ottobre 2024 musica elettronica, arte e fotografia si intrecceranno per una notte nelle sale del museo per dar vita a una serata di celebrazione e riflessione.

 

Al centro dell’evento, due performance musicali d’eccezione: Nicky Siano, pioniere della disco music, storico resident del celebre Studio 54 di New York e attivista nella lotta contro l’HIV, e Hiroko Hacci, artista giapponese e una delle dj emergenti più interessanti della scena elettronica internazionale.

 

Come sottolinea Nicky Siano, attivista dal 1983: “Ho perso molti amici a causa dell’AIDS e continuo a usare la mia piattaforma per combattere la disinformazione e favorire una comprensione più empatica della condizione”. La sua partecipazione all’evento sarà un simbolo del potere trasformativo della musica e dell’impegno sociale.

 

Non sarà solo un evento culturale, ma una grande festa, celebrazione della vita, della resilienza e dell’importanza di costruire una comunità fondata su conoscenza, solidarietà e rispetto.

 

Nel corso della serata, per i partecipanti all’evento sarà possibile eseguire gratuitamente un test HIV e sifilide rapido accompagnato da un counseling di valutazione del rischio, grazie al servizio messo a disposizione dall’associazione Milano Check Point.

Live à l’Olympia

A conclusione della mostra Je m’appelle Olympia nella Project Room del PAC, Alice Guareschi presenta Live à l’Olympia, un’installazione sonora inedita che verrà attivata una volta sola, martedì 10 settembre 2024, nella sala vuota del Cinema Beltrade di Milano.

 

La traccia audio è pensata come un collage di frammenti scelti tra alcune delle straordinarie performance che hanno animato  il palco del celebre Music Hall parigino. Nel rendere omaggio a voci e musiche che  hanno fatto la storia dell’Olympia, l’opera porta in primo piano un altro grande protagonista della memoria storica del teatro fin qui lasciato intenzionalmente fuori campo: il suono.

 

Più che sulle singole canzoni o sulle melodie, l’artista si concentra in particolare su quello che accade prima, durante e dopo lo show: una frase di saluto, un rumore di passi, l’accordatura di uno strumento, una falsa partenza che fa ripetere l’attacco, un’esplosione di risa, gli applausi del pubblico che sovrastano la musica, una nota stonata, una dedica, una pausa, un sospiro… ovvero tutti quei momenti sporchi e imperfetti che rendono prezioso, irripetibile e spesso indimenticabile un concerto dal vivo. 

 

Hanno contribuito alle ricerche d’archivio: Corrado Beldì, Alberto Bernasconi, Alessandro Cavallini, Luigi Cristini, Francesca Chica Desideri, Adriano La Licata, Pierluigi Longo, Gianni Lucini, Giulia Zorzi.

 

 

Cinema Beltrade, via Nino Oxilia 10, Milano

Martedì 10 settembre dalle 18 alle 19.30

 

THE SILENT WORLD

Ogni giovedì dal 7 ottobre al 5 novembre è possibile vivere l’installazione sonora The Silent World (2022) di Simonluca Laitempergher e Rachele Maistrello, artista presente nella Project Room del PAC Padiglione d’Arte Contemporanea di Milano con il ciclo di lavori dal titolo Blue Diamond, a cura di Claudia D’Alonzo.

 

L’installazione, realizzata con il sostegno di Premio Lydia 2022 / Fondazione Il Lazzaretto, evoca l’immersione attraverso il suono. Un’esperienza d’ascolto creata in collaborazione con il compositore e sound designer Simonluca Laitempergher, che prende spunto dalle tracce di Gao Yue, acrobata e apneista cinese, dalla biografia di Jacques Mayol e dai racconti sulla vasca di deprivazione sensoriale di John Lilly.

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Prenotazione obbligatoria
Partecipazione gratuita

Fruizione individuale
L’installazione contiene suoni intensi e in ambiente scarsamente illuminato quindi potrebbe disturbare persone particolarmente sensibili a questo tipo di condizioni ambientali

BASHKKA, DAFNE, UBI BROKI

Le Cannibale propone un evento musicale in occasione di Ri-Scatti, una mostra dedicata ad esperienze e quotidianità delle persone transgender attraverso l’arte. Raccontando storie vere, spesso dure, alcune gioiose, Ri-Scatti propone una critica ad una forma di potere che non riconosce le identità, ma le costruisce secondo regole prestabilite a cui rispondere con la conoscenza. Arte, fotografia e musica si fondono tra le mura del museo: il dj set della tedesca Bashkka, artista trans, rappresentante della scena queer e sostenitrice dedicata sia di Swana che della scena ballroom newyorkese, resident dj del Blitz Club di Monaco, il live performativo di Dafne ed il dj set introduttivo di Ubi Broki.

 

Evento 18+

SOUNDTRACK ALL’ITALIANA

I 291out presentano, nel cortile del PAC, uno spettacolo live che ripropone, con il linguaggio della musica, il tema conduttore di PERFORMING PAC: il rapporto tra arte contemporanea e memoria storica.

 

In quest’anno importante di commemorazione dei trent’anni dall’attentato di via Palestro, la band vuole richiamare gli anni ’70 quale momento storico decisivo che ha segnato indelebilmente, nel bene e nel male, la storia del nostro paese (il terrorismo, l’attivismo politico, le lotte sociali, il fermento della controcultura giovanile). Il filo conduttore dei brani proposti spazia dal cinema italiano di denuncia e d’indagine in voga in quegli anni a composizioni originali, immaginate come soundtracks di ipotetici film: un continuum tra immaginari sonori ed evocazioni visive che ben si collegano alla video installazione di Christian Boltanski Entre-Temps, una tra le opere in mostra.

 

Uno spettacolo che mira a coinvolgere il pubblico in uno spazio unico di condivisione e commistione di arte, musica e memoria storica.

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Ensemble formatosi tra Napoli e Milano agli inizi del Duemila, i 291out viaggiano su frequenze libere attraverso territori jazz e funk, con profonde influenze che provengono dalla tradizione del prog italiano e dal mondo delle colonne sonore. Come collettivo aperto di musicisti e produttori non disdegnano l’esplorazione di molteplici scenari sonori, dalla lirica all’elettronica, in un poliedrico spettro di produzione musicale che passa attraverso pubblicazioni discografiche  e progetti di musica applicata in campo audovisivo.

Il nome del gruppo è ispirato alla rivista dadaista di Stieglitz “291” rendendo omaggio alla libertà, alla creatività e all’ironia di quel movimento che rifiutava le ragioni e le logiche dei generi precostituiti. 

BORA feat. PRIMITIVE ART

In occasione della mostra LASCIA STARE I SOGNI, Yuri Ancarani presenta una nuova versione live dell’opera Bora, concepita dall’artista nel 2011 come progetto itinerante in progress basato sulla collaborazione e l’interazione tra arti visive e musica, dove un video di 40 minuti che funge da visual per un concerto dal vivo.

 

Il video è stato girato nella zona del Carso, in Val Rosandra, un’area caratterizzata da un aspetto roccioso e ruvido, duro e allo stesso tempo affascinante. Violente raffiche di vento scompigliano il paesaggio, infondendo alla natura un flusso vitale, inaspettato e sconvolgente. Il rumored el vento, con le sue gradazioni di intensità, accompagna le immagini di un paesaggio capovolto, soggetto principale del film. Questo scenario instaura un dialogo visivo-sonoro con l’esibizione dal vivo dei musicisti con i quali Ancarani instaura di volta in volta collaborazioni artistiche

 

Al PAC venerdì 14 aprile saranno le atmosfere avvolgenti del duo sperimentale Primitive Art ad accompagnare la proiezione.

 

Tra i performer che hanno collaborato: Stephen O’Malley, fondatore di diversi gruppi drone, doom metal e death/doom tra cui Sunn 0 ))); il giovane talento Lorenzo Senni; Der Weze, l’ultimo progetto sonoro di Nico Vascellari; Mika Vainio, uno dei due componenti dei Pan Sonic, gruppo elettro-minimale finlandese degli anni ’90.

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Primitive Art è un band di musica sperimentale formata a Milano nel 2011 dalla collaborazione tra Matteo Pit e Jim C. Nedd. Primitive Art debuttano con l’album ‘Problems’, 2013; in cui presentano per la prima volta una commistione di elementi musicali che li colloca al di fuori dei generi. Un suono dove ritmi ipnotici, melodie malinconiche, versi e parole si scontrano tra loro creando paesaggi sonori estranei.Fin dall’esordio la band si afferma come progetto live esibendosi in palchi internazionali come Berghain, Berlino; Cafè Oto e Corsica Studios, Londra; Club to Club , Torino; Distortion Festival, Copenaghen. Nel 2018 rilasciano l’EP ‘Crab Suite’ su Arcola, storica sub-label di Warp Records e nel Giugno 2019 partecipano alla celebrazione del trentennale di Warp Records con un mix di registrazioni dal vivo collezionate tra il 2018 e 2019. Tra gli ultimi lavori il debutto della performance ‘Shelter Chapter 1’, 2020, Triennale Milano e l’installazione sonora ‘Extract 1’, Athens Biennale, 2021.

HAIKU

In occasione della mostra JAPAN. BODY_PERFROM_LIVE, Untitled Noise presenta la performance “Haiku”, un pensiero sonoro rivolto al Giappone e al componimento poetico dell’ haiku in cui emerge il “qui e ora consapevole”.

L’impianto sonoro per questa occasione sarà diviso in tre parti, componendo una struttura strofa/suono di tre versi, così come la poesia Haiku. La partitura attraverserà e toccherà  mente e corpo nell’attimo presente, sondando gli stadi più profondi e reconditi del subconscio e il suo rapporto con il reale, proponendo salti immaginativi tra concetti e immagini apparentemente distanti.

Come nell’haiku, lo stato d’animo prodotto dal fascino misterioso dell’inspiegabilità delle cose apre ad un “sentire” altro, colmo di misteriosa presenza che ci trascende.

 

Haiku Teaser. Courtesy Untitled Noise

 

Ingresso libero, senza prenotazione.

Durata 50 minuti circa.
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Untitled Noise nasce nel Marzo del 2014 come unione delle esperienze di ricerca sulle immagini e sul suono degli artisti Michele Lombardelli e Luca Scarabelli.

Il progetto è improntato su performance live in cui l’aleatorietà, l’improvvisazione e la sperimentazione sono la filosofia e la metodologia compositiva della dialettica costruttiva del suoni. Le imponenti tracce sonore di Untitled Noise sono collage sonori modulati con approcci ambient e glitch, sviluppi noise e harsh, passaggi dialettici tra suoni sottili che richiedono attenzione per dilatare plasticamente l’ascolto e potenti suoni viscerali.

UN iscrive il suo mandato sonoro in uno spazio vuoto, senza simbolizzare, senza avere un significato definito; in un live di UN, la composizione musicale è in continua trasformazione e divenire. In tutta semplicità qualcosa avviene e ti rapisce.

Il duo ha all’attivo la musicassetta “Untitled 33/26” per Svbterrean tappe, Verona; un doppio vinile per la casa discografica Die Schactel; l’album “Perpetual Possibility” registrato al Museo MAGA di Gallarate con Lino Capra Vaccina per DarkCompanion Records; ROZZO, “LP45rpm” in collaborazione con Jacopo Benassi con un booklet di 16 pagine.

ANOTHER DAY by Barbara and Ale

In occasione di “PERFORMING PAC. Take me to the place I love”  Barbara and Ale presentano il lavoro video Another day (2020), commissionato e prodotto dal PAC al duo di artisti nel 2020 in occasione della XVI edizione della Giornata del Contemporaneo promossa da AMACI (Associazione dei Musei d’Arte Contemporanea Italiani).

 

Il lavoro è ambientato in una cava sotterranea nella zona dei Colli Berici, dove i due artisti portano in scena un confronto tra la voce di Alda Caiello e le percussioni di Elio Marchesini, all’interno di un luogo naturale, scavato e ricostruito dall’uomo al fine di uno sfruttamento della materia minerale per scopi produttivi e industriali.

 

I due protagonisti si muovono liberamente nello spazio, delineandone il perimetro, e si confrontano e al contempo scontrano tra di loro nel buio più assoluto, a esclusione di piccole torce frontali, che a tratti rivelano l’ambiente e a tratti i protagonisti stessi, creando netti conflitti tra luce ed ombra.

 

Barbara and Ale, Another day, 2020. Trailer. Courtesy gli artisti e PAC Padiglione d’Arte Contemporanea

 

A seguire, viene messa in scena da Elio Marchesini e l’ensemble Pozzi Sonori – della Civica Scuola di Musica Antonia Pozzi di Corsico – il brano In C di Terry Riley, accompagnato dalla proiezione del nuovo video Ecolalie (2022) della coppia di artisti realizzato per l’occasione.

In C può essere considerato una sorta di manifesto del pensiero minimalista, completamente svincolato da tutte le logiche tecniche e virtuosistiche. Il titolo enfatizza il ruolo cardine della nota do (C) su cui girano 53 particelle ritmico-melodiche eseguite con pochissime e semplici regole, prima tra tutte la ripetizione, l’ecolalia.

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Formazione Pozzi Sonori:

Elio Marchesini, Renato Taddeo, Alberto Dipace, Marta Caracci, Melanie Remaud, Matilde Biroli, Stefano Giudice, Federico Cipriotti, Alberto Macciola, Michele Rashid Spadaro, Matteo Marri, Andrea Bellini

SELTON

 

La band italo-brasiliana SELTON si esibirà al PAC in una speciale performance musicale tra le opere dell’artista Luisa Lambri. Un inedito dialogo che trova il suo punto di contatto in un simil bagaglio di suggestioni ed esperienze visive intrise di variegate influenze e contaminazioni, proprio come sa essere la cultura brasiliana raccontata nei testi dei Selton e in alcune immagini scattate da Lambri. Il trio si esibirà in acustico con alcuni tra i brani più amati del proprio repertorio e canzoni estratte dall’ultimo album BENVENUTI.

Uscito lo scorso 16 aprile, il disco è il frutto di due anni di viaggi, storie e collaborazioni. Benvenuti rimette in discussione concetti come “tradizione” e “identità” spesso usati come scudi, ma in realtà incubatori di cambiamento. In una società priva di tempo, vittima di una bulimia di informazioni e spesso chiusa in sé stessa, il nuovo lavoro dei Selton va in direzione opposta, unendo mondi diversi e invitando all’apertura reciproca che genera l’incontro. “Un salto altissimo, un viaggio lunghissimo” come l’hanno definito i musicisti, per opporre la sensibilità alla chiusura, la tolleranza al pregiudizio, l’empatia all’indifferenza.

 

I SELTON si formano a Barcellona nel 2005, inizialmente suonando canzoni dei The Beatles al Parco Güell. Notati da un produttore di MTV, a Milano registrano il primo disco “Banana A Milanesa” che li porta all’attenzione della critica. Seguono quattro album cantati in italiano, portoghese e inglese – Selton, Saudade, Loreto Paradiso e nel 2017 Manifesto Tropicale tra i 20 migliori album dell’anno secondo Rolling Stones – prodotti da Tommaso Colliva (Muse, Afterhours, Calibro 35…). Il mix di alt-pop, folk, bossa nova ed elettronica capace di unire le due sponde dell’Atlantico, le collaborazioni con gli artisti più diversi (da Jannacci a Daniele Silvestri, da Dente a Malika Ayane, fino ai rapper Willie Peyote ed Emicida) e il crescente successo anche in Brasile fanno di questa band una delle più interessanti del panorama indipendente italiano.

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Foto Giulia Rosco

KETY FUSCO, ELISA BEE

Sabato 3 Ottobre Le Cannibale torna al Padiglione D’Arte Contemporanea di Milano dando vita ad un appuntamento unico: l’incontro tra due artiste che declinano e raccontano il presente e futuro prossimo della musica elettronica contemporanea italiana.

 

L’artista italo/svizzera Kety Fusco presenterà live per l’occasione il suo nuovo album Dazed. Definita dalla stampa musicale “la regina dell’arpa elettrica”, diventa già giovanissima prima arpa di importanti orchestre europee. Accompagnando arpa a loop machine e sintetizzatori, Kety Fusco sviluppa composizioni influenzate da grandi musicisti quali Alva Noto e Moderat, divenendo in poco tempo una delle artiste più interessanti della musica italiana contemporanea.

 

Sul palco anche l’artista sarda Elisa Bee, produttrice di studio e radio, ma prima di tutto affermata DJ italiana , ha vissuto la club culture nazionale praticamente da ogni angolo, ciclo dopo ciclo. In questa occasione presenterà un intervento speciale dedicato appunto ai sottogeneri che incarnano e narrano l’evoluzione della club culture negli ultimi 40 anni.

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Primo turno: 20:00 – 21:45

Secondo turno: 22:15 – 00:00

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MUSICA & ARTE IN SICUREZZA

Durante l’evento verranno seguite tutte le misure anticontagio in ottemperanza alle norme e disposizioni vigenti per legge volte al contenimento dell’emergenza epidemiologica da Covid-19:
– La sedute garantiranno il mantenimento del distanziamento interpersonale durante i concerti. Supervisione delle misure di distanziamento sociale come da DPCM nelle fasi di ingresso e uscita del pubblico. Il servizio bar e ristorazione sarà garantito nel rispetto delle misure previste dalla legge

– Misurazione della temperatura corporea a pubblico, musicisti e lavoratori impedendo l’accesso in caso di temperatura maggiore di 37,5 °C.
– Ingressi contingentati fino ad un massimo di 200 persone per ogni spettacolo

– In caso di maltempo l’evento si svolgerà all’interno del PAC

PAZZA IDEA

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La dimensione della parola, anche sotto forma di canto, ha da sempre un ruolo centrale nella ricerca di Cesare Viel. In una delle sue prime performance al Link di Bologna, Io sono mio (1998), Viel improvvisava canzoni di artisti che amava e dai quali aveva imparato qualcosa: Ella Fitzgerald, Patty Pravo, Paolo Conte, Suzanne Vega, Caetano Veloso, Marlene Dietrich, etc…Il tutto senza rispettare tecnica, note e melodia, ma solo per produrre energia mentale e superare così quell’invisibile muro tra artista e spettatore.
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Pazza idea è una visita guidata insolita tra arte e musica per riattivare quella stessa energia del 1998, con il curatore Diego Sileo, la partecipazione straordinaria di Cesare Viel e Carlo Antonelli e il dj set a cura di Missin Red che diffonderà nel PAC le sonorità nate dall’incontro con le opere di Viel.
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Carlo Antonelli è Laureato in Giurisprudenza presso l’Università di Genova e ha lavorato per diverse testate. Nel 2003 viene nominato direttore dell’edizione italiana di Rolling Stone in coabitazione con Michele Lupi, diventando direttore unico della rivista di musica, nel 2006, dopo l’abbandono di Lupi. Nello stesso anno fonda la casa cinematografica First Sun. Dal 2011 al 2013 prende il posto di Riccardo Luca alla direzione dell’edizione italiana di Wired. Nel 2013 approda alla direzione del mensile GQ. Antonelli ha anche all’attivo incursioni nel mondo della televisione. Nel 2009 ha partecipato alla prima edizione del programma televisivo Victor Victoria condotto da Victoria Cabello su La7 in qualità di giornalista con un format di interviste all’interno di una stanza buia. Dal 2018 è l’amministratore delegato di Fiera Milano Media, media company di Fiera Milano, e ricopre anche il ruolo di direttore responsabile di tutte le testate dell’azienda.
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Cantante, dj, produttrice: Federica Zamboni, in arte Missin Red, propone un dj set ricercato e trascinante, con selezioni che variano dal swing all’electro swing, dalle oldies all’elettronica, dai mash-ups alla breakbeat, dal reggae alla tropical bass. Il dj set è personalizzato da alcuni brani originali cantati live, produzioni e mash up esclusivi Missin Red. Dal 2012 si è esibita in oltre 1000 concerti, in Italia e all’estero.

InSight

“InSight”, letteralmente “visione interna”, definisce il concetto di intuizione nella forma immediata e improvvisa. Ed è proprio questa l’idea alla base della musica di “InSight”, dove lo spazio solitamente lasciato alla tradizionale ritmica formata da basso e batteria viene completamente abbandonato, riconfigurando i ruoli dei tre musicisti in una formazione che fonde melodia e ritmo in un’unica soluzione, alternandosi nei rispettivi compiti. Linee melodiche e sezioni percussive incalzanti, scritte e improvvisate, lasciano ai tre strumentisti la libertà di sovrapporsi potendo proporre, all’interno del repertorio atmosfere differenti, che portano l’ascoltatore in luoghi lontani, spesso immaginati nelle fantasie dei più, ma privi di cliché.
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Francesco Chiapperini: soprano & bass clarinet
Simone Lobina: electric guitar & FX
Simone Quatrana: piano & synth
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Francesco Chiapperini (Bari, 1978) vive a Milano e ha all’attivo sei progetti come leader: NoPair, NidoWorkshop, InSight Trio, Extemporary Vision Ensemble, Marcos Quartet e Electric! Electric! collaborando con Antonio Fusco nel progetto “Suite for Motian” e con Daniele Cavallanti nella “Milano Contemporary Art Ensemble”. Partecipa a diversi Festival italiani come quello di Sant’Anna Arresi, Ah-Um Jazz Festival, Novara Jazz, Trentino Jazz Festival, Clusone Jazz e San Severo Jazz.
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Immagine: Photo Gianni Grossi

QUANDO ARRIVA LA NOTTE AL PAC

“Le canzoni liberano la testa”, scriveva Cesare Viel in una sua performance del 1998, e così abbiamo deciso di far dialogare la sua arte con una delle interpreti più intense e originali della canzone italiana. Dopo un’introduzione alla mostra del curatore Diego Sileo, Arisa si esibirà live in un’esclusiva versione piano e voce.
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Arisa è una cantante e attrice italiana.
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Dopo aver vinto nel 2008 il concorso SanremoLab, ha raggiunto il successo partecipando al 59º Festival di Sanremo nel 2009 con il singolo Sincerità, vincitore della categoria “Nuove Proposte”.
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Nel corso della sua carriera Arisa si è aggiudicata in due occasioni la vittoria al Festival di Sanremo, rispettivamente nel 2009, anno in cui ha vinto come esordiente con il brano “Sincerità” e nel 2014, trionfando nella categoria “Campioni” con il brano Controvento. Ha inoltre partecipato, sempre nella categoria “Campioni”, rispettivamente nel 2010 con Malamorenò (9º posto), nel 2012 classificandosi seconda con La notte, vincitore di un Sanremo Hit Award come singolo sanremese più venduto di quell’edizione, nel 2016 con Guardando il cielo (10º posto) e nel 2019 con Mi sento bene (8º posto) dal nuovo disco “Una Nuova Rosalba in città”. Ha inoltre ottenuto vari riconoscimenti quali un Premio Assomusica e un Premio della Critica “Mia Martini” al Festival di Sanremo 2009, un Premio Sala Stampa al Festival di Sanremo 2012, due Wind Music Awards, un Venice Music Awards, un Premio Lunezia e un Premio TV – Premio regia televisiva, oltre ad una candidatura al Premio Amnesty Italia e due al Nastro d’argento nella categoria migliore canzone originale, rispettivamente nel 2017 per Ho perso il mio amore e nel 2018 per Ho cambiato i piani. Dal 2010 ha avviato la sua attività televisiva, come presenza fissa al programma televisivo Victor Victoria – Niente è come sembra e come giudice della quinta, sesta e decima edizione italiana del talent show X Factor, e dal 2011 ha lanciato la sua carriera cinematografica, debuttando sia come attrice che come doppiatrice. Nel 2015 è invece co-conduttrice della 65ª edizione del Festival di Sanremo

DICONO SIA COLPA DI UNA MOSTRA COME NON MAI

Il PAC saluta Anna Maria Maiolino con un’ultima serata all’insegna dell’amore rivoluzionario: Malika Ayane si esibirà live in una performance esclusiva in occasione della chiusura della mostra O Amor se faz Revolucionario. Dopo un’introduzione alla mostra con il curatore Diego Sileo, la cantautrice creerà suggestive ed inedite relazioni tra la poetica delle sue canzoni e le opere di Anna Maria Maiolino.
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Nata a Milano nel 1984, Malika Ayane è tra le cantautrici più raffinate, eclettiche e apprezzate del panorama italiano. Con alle spalle una formazione musicale classica, Malika esordisce nel 2008 con il suo primo omonimo album. La sua carriera sviluppa tra musica, cinema, teatro, radio. Tra le tappe principali: 6 album (“Malika Ayane”, “Grovigli” e “Grovigli special tour edition”, “Ricreazione”, “Naif”, “Domino”), le partecipazioni al Festival di Sanremo (2009 “Come foglie”, 2010 “Ricomincio da qui”, 2013 “Niente” “E se poi”, 2014 “Adesso e qui (Nostalgico presente)”), 16 dischi di platino, 8 dischi d’oro, numerosi riconoscimenti, la scrittura e conduzione di due trasmissioni in onda su Radio 2, 70 date nei teatri come protagonista del musical “Evita”, collaborazioni con artisti tra cui Paolo Conte, Francesco De Gregori, Giuliano Sangiorgi, Andrea Bocelli, Pacifico, Laura Pausini, Cesare Cremonini, i registi Paolo Virzì e Federico Brugia. Attualmente Malika Ayane vive tra Milano e Berlino.

C’È UN GUSTO DI VITTORIA E DI MERAVIGLIA NELL’ESSERE SEMPLICI

con Roberto Dulio, docente di Storia dell’Architettura, Diego Sileo, curatore della mostra e gli Egokid.
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Una visita guidata speciale alla mostra tra arte e architettura in Brasile con il curatore e Roberto Dulio. Seguendo le tracce del lavoro e della riflessione artistica di Anna Maria Maiolino, racconteremo altre due figure di primo piano della cultura brasiliana: Oscar Niemeyer e Lina Bo Bardi. Un architetto brasiliano che nel 1956 rivoluzionò l’architettura del suo paese costruendo dal nulla e in soli quattro anni una nuova moderna capitale (Brasilia), e un architetto e designer italiana, ma anche artista, che nel dopoguerra si trasferì in Brasile e inventò un’architettura inedita, a volte fatta di poco, che riscattava vecchi strutture e identità locali.
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Politico e intriso di amore rivoluzionario è anche il nuovo disco degli Egokid, Disco disagio, uscito a marzo 2019 su etichetta INRI. “Ora più che mai il nostro motto è che il privato è politico, l’amore è sempre nel contesto, l’amore in fondo è una forma di antagonismo, interiore ed esteriore, dentro e fuori. In questo senso parlare d’amore non è né sarà mai noioso” (D. Palazzo, P. Pardo). Alle loro canzoni, dalle sonorità ricercate e raffinate ma con testi semplici e immediati, il compito di tessere una trama di armonie e suggestioni con le opere di Anna Maria Maiolino.
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Roberto Dulio insegna Storia dell’Architettura al Politecnico di Milano. Si occupa della cultura architettonica moderna e contemporanea e dei suoi rapporti con l’arte e la fotografia. Trai i suoi libri: Aldo Andreani 1887-1971. Visioni, costruzioni, immagini (con Mario Lupano, 2015), Oscar Niemeyer. Il Palazzo Mondadori (2017).
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Nati a Milano come quartetto gli Egokid sono nel tempo diventati sei per effetto della crisi economica. La band, composta da avidi lettori di forumsalute.it, vede nel singolo post-nevrotico “Anaffettivo” e nell’album “Minima Storia Curativa”, prodotto da Matteo Cantaluppi, i propri esordi in Italiano. Le loro influenze sono da sempre eterogenee: Battiato, Flaming Lips, Battisti bianco, il prog anni ‘70, i Blur, l’house di Detroit, Rosanna Fratello, James Blake e Laetitia Sadier. Cinici, irriverenti, innamorati e glamour, con Disco Disagio tornano per ballare e far ballare il mood del nuovo ventennio: elettronica, cassa in 4, ritornelli che si cantano dopo un ascolto, l’amore ai tempi di Salvini e le ideologie nell’era dell’aloe.

MAMA… I DON’T WANT TO DIE

Visita guidata alla mostra di Anna Maria Maiolino con Matteo Bordone, il curatore Diego Sileo e a seguire esibizione live del Checcoro.
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Una visita guidata speciale alla mostra tra arte e musica con il curatore e Matteo Bordone che anticiperà i temi delle canzoni che saranno eseguite dal Checcoro, il primo coro LGBT di Milano formato da persone di ogni orientamento sessuale che sostiene e promuove una cultura dei diritti sociali e civili per tutti. Attraverso il linguaggio universale della musica, Checcoro intende sensibilizzare il maggior numero di persone sulle tematiche LGBT affinché l’idea di una società multiforme sia considerata come una ricchezza alla base della crescita collettiva. Un medley dei Queen è la novità nel loro repertorio che sarà eseguito per la prima volta a Milano.
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La mostra di Anna Maria Maiolino O amor se faz revolucionário diventa teatro di una serie di eventi che si svolgeranno al PAC nell’ambito della Pride Week 2019.
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A cinquant’anni anni dai moti newyorkesi di Stonewall, considerati il momento che segnò la nascita del movimento gay in tutto il mondo, oggi come allora è importante difendere e sostenere i diritti civili di tutti, perché l’amore – quello che si è fatto rivoluzionario – non fa differenze di alcun tipo. O amor é amor.
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La domanda è sempre la stessa Why don’t you guys do something?

IMAGINARY BRIDGES

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con Emanuele Torquati, pianista milanese di fama internazionale.
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Il fil rouge del progetto richiama la molteplicità dei richiami tra Europa e America Latina, idealmente collegate da ponti immaginari tra le opere in mostra di Anna Maria Maiolino. Il percorso parte con lo storico brano del compositore argentino Mauricio Kagel, An Tasten, sorta di trasfigurazione degli Studi pianistici ottocenteschi che coinvolge prima in modo contemplativo e poi vorticoso tutti i registri della tastiera.
Una goccia appuntita e inflessibile è il fulcro di Stalagma, concisa immagine musicale composta da Silvia Borzelli, Italiana ma di stanza ad Amsterdam, in ricordo dell’uccisione della giornalista russa Anna Politovskaja. Dal dramma umano si passerà poi alla sottile drammaticità insita nel Tango errante scritto da Maria Cecilia Villanueva, che come tutte le danze è anche un gioco mirabile di slanci e sospensioni. Sospensioni inesistenti nel rutilante Mambo di Luca Francesconi, che partendo da un incipit del grande jazzista cieco italo-americano Lennie Tristano lancia a folle velocità le mani del pianista in una sfida virtuosistica. Un ponte gettato verso il conclusivo Tombeau de Messiaen di Jonathan Harvey, estatico omaggio al grande compositore francese colorato da un’aura di spiritualità arricchita in modo magistrale dalla cornice elettronica.

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PROGRAMMA
An Tasten (1977) di Mauricio Kagel
Stalagma (2007) di Silvia Borzelli
Tango errante (2002) di Maria Cecilia Villanueva
Mambo (1987) di Luca Francesconi
Tombeau de Messiaen (1994) di Jonathan Harvey
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Vincitore di numerosi premi in Italia e all’estero, Emanuele Torquati suona regolarmente in Europa, Canada, America e Africa, in centri musicali quali Addis Abeba, Buenos Aires, San Francisco, New York, Chicago, Banff, Toronto, Vancouver, Boston, Strasbourg, Paris, Lyon, Leipzig, Berlin, Munich, Krakow, Ljubljana, Kiev, Prague, Graz, Milano e Roma, e per Festival quali Alte Oper Frankfurt, Columbia University Fall Series, MITO Settembre Musica, Concerti del Quirinale, Maggio Musicale Fiorentino, Klangspuren, Heidelberger Frühling, Teatro Colon Buenos Aires. Le sue esecuzioni sono state trasmesse da emittenti prestigiose, quali RAI, BBC Radio3, Deutschland Radiokultur, MDR Kultur, Radio France, Radio Svizzera, RTE Lyric ed Euroradio. Dal 2015 è uno degli autori del Programma di Radio3 “Lezioni di Musica”.

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Ingresso gratuito fino ad esaurimento posti.

DJ SET

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con Hard Ton, Lorenzo LSPose, La B. Fujiko

La collaborazione con Le Cannibale porta al PAC un evento di musica e performance che omaggia l’anniversario dei moti di Stonewall coinvolgendo tre importanti artisti italiani. Lorenzo LSPose, insieme a La B. Fujiko che curerà uno spettacolo di ballo, dedicherà il suo djset al mondo del vogueing – uno stile di danza nato all’interno delle comunità gay della New York degli anni ‘70 e ’80 – mentre il duo Hard Ton si esibirà in un dj set/live con un tributo alla figura di Marsha P. Johnson, attivista dei diritti LGBTQ e personaggio di punta nei moti di Stonewall insieme a Sylvia Rivera.

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Hard Ton é un progetto iniziato nel 2009: da allora ha pubblicato su importanti etichette della scena elettronica quali Pemanent Vacation, Gigolo, Bordello A Parigi. Le escursioni giocose di questo progetto verso sonorità acid e vocal house hanno fatto guadagnare loro un seguito rilevante che apprezza il loro spirito performativo, una attitudine che porta sul palco energia, ironia e spirito rivoluzionario.

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Voguing in the name of Stonewall
Voguing performance diretta da La B. Fujiko in connessione con il progetto Bballroom affiancata dal dj set di Lorenzo LSPose.

La B. Fujiko é dal 2012 la Mother of House of Ninja Italy, a testimonianza del suo ruolo di assoluta rilevanza all’interno dell’universo del voguing. Affiancata da Bballroom e Lorenzo LSPose Ninja da vita a un intervento che paga tributo alla vicenda di Stonewall sottolineandone l’importanza sociale.

A partire dagli anni 2000, Lorenzo LSP ha affrontato trasformazioni di sonorità, tendenze ed evoluzioni che hanno scritto pagine importanti della storia della scena musicale elettronica italiana. Nell’assumere l’identità parallela di Lorenzo LSPose Ninja, il dj paga un tributo al voguing, alla sua storia e quei suoni che accompagnano la sua attuale incarnazione.

Una serata contro la violenza di genere

Martedì 5 giugno Vladimir Luxuria sarà ospite d’eccezione nella mostra YA BASTA HIJOS DE PUTA dell’artista Teresa Margolles  – al PAC fino al 10 giugno  – per una visita guidata speciale con il curatore Diego Sileo.

 

Un dialogo inedito tra le opere dell’artista messicana, in tensione costante tra violenza e bellezza, per denunciare il silenzio dei media e delle istituzioni rispetto ai numerosi soprusi e omicidi di Ciudad Juárez, una delle città più pericolose al mondo, le cui vittime sono soprattutto donne e transessuali.

 

Il PAC ha deciso di dedicare questo appuntamento speciale a Karla Ivonne, prostituta transessuale assassinata pochi giorni prima e il cui ritratto è esposto in mostra.

 

A chiudere l’evento saranno le voci del Checcoro, il primo coro LGBT di Milano, che sostiene e promuove una cultura dei diritti sociali e civili per tutti.

 

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Partecipazione gratuita con biglietto mostra

SOUNDHERITAGE

Anche il PAC partecipa alla prima Milano Music Week con una speciale apertura notturna  e un dj-set esclusivo pensato da Le Cannibale per la mostra Io, Luca Vitone.

 

Partendo dall’architettura, fisica e storica, dei luoghi, Vitone analizza una dimensione personale costruita attraverso la stratificazione di diversi linguaggi legati all’identità e alle radici del luogo stesso.

In questo contesto Le Cannibale invita il duo Boot & Tax e la dj Paquita Gordon ad avventurarsi nella descrizione di un vero e proprio soundscape – un paesaggio evocato tramite la musica – all’interno della mostra al PAC. Analizzando le proprie radici e la propria biografia, i due dj si cimenteranno con la costruzione di due racconti sonori che ripercorreranno il rapporto tra luoghi e suoni, identità e memoria, tra storia dei filoni musicali e quella personale di ciascun artista.

 

Boot & Tax | Claudio Brioschi (noto come dj con l’alias Brioski) e Christian Croce (The Barking Dogs, Le Macchine) sono due artisti italiani che nel 2013 fondano il progetto Boot & Tax rappresentando l’avanguardia disco italiana all’estero.

 

Paquita Gordon | Francesca Faccilongo tra il 2013 e il 2015 costituisce l’associazione culturale il Vulcano dirigendo quattro edizioni delle rassegne musicali Stereocybele e Capofaro Space & Sound. Si è esibita in musei e centri culturali come l’Institute of Contemporary Art di Londra e Pirelli Hangar Bicocca.

 

Biglietti acquistabili al PAC €14 o su Viva Ticket con prevendita (+ € 1,20)

Inizio ore 21:30, chiusura ore 02:00.

www.milanomusicweek.it